ALONE & UNALONE

 

EN

 

This album surveys my long-term collaboration with Montreal’s Ensemble Paramirabo, who commissioned both the earliest and the most recent work on the album. Each of the works were composed at least in part through transcription of studio-recorded sounds into instrumental notation. And so the album has a conceptual motivation — the transference of concrete sound into abstract notation, returned to the conditions from which they were derived.

 

All of the works also have theatrical or scenic elements, and so they are fundamentally works of concert music. We spent time recording footsteps and chair squeaks, among other “extra-musical” sounds, which reconstruct the multi-dimensionality of the works into aural imagery. The project of transporting them to a studio recording context is therefore a transformative one, reflecting the idea that music becomes something fundamentally new in each context.

 

FR

 

Cet album retrace ma collaboration de longue date avec L'Ensemble Paramirabo de Montréal, qui a commandé deux des œuvres sur le disque - la plus ancienne et la plus récente. Chacune des œuvres a été composée en partie par la transcription de sons enregistrés en studio vers la notation instrumentale. Ainsi, l’album a une motivation conceptuelle - le transfert du son concret en une notation abstraite, renvoyée aux conditions dont elles sont issues.

 

Toutes les œuvres comportent également des éléments théâtraux ou scéniques et sont donc fondamentalement des œuvres de musique de concert. Nous avons passé du temps à enregistrer des pas et des grincements de chaises, parmi d’autres sons «extra-musicaux», qui reconstituent la multidimensionnalité des œuvres en images auditives. Le projet de les transporter dans un contexte d’enregistrement en studio est donc transformateur. reflétant l’idée que la musique devient fondamentalement nouvelle dans chaque contexte.

 

 

 

subject / object (2016)

 

EN

 

subject / object is a work about the piano for ensemble. To me, the piano is an elusive object of contradictions. There is a degree of abstraction and detachment to the thing: it is sometimes a piece of furniture, or a status-symbol. There is a degree of familiarity, too: before the availability of recorded sound, it was a primary means for many to hear and participate in music. Sometimes called “the composer’s instrument,” it is meant to be able to distill a larger world of sound than is its province, as in the familiar idea of the piano reduction, where an orchestral work is transcribed for solo piano.

 

In 2013 I wrote an acousmatic work examining these ideas, called Objects-Interiors. This work, predominantly derived from piano sounds, is a kind of distillation of the piano-as-object: its sounds are played back through speakers inside of a piano (which is never performed), appropriating the musical object as an interior space.

 

In this new work for ensemble and electronics, that distillation is expanded into a performative interaction in and around the piano. Part of the written material is a transcription of the parent work; and so the sounds produced by the ensemble imitate the piano-as-object-as-space. The work is also a deconstruction of that process–of my own memory of the composition–of attempting to reduce recorded sound into notes on a page. And so, the work also cuts up, transforms, records, and plays back these materials. The piano is again contextualized as a site for resonance and reduction, in homage to Alvin Lucier’s sound art work I am sitting in a room (1969), where in this case the “room” is a piano.

 

The project of the work is confessedly a kind of navel-gazing, of an intense sort such that I am put in mind of an episode of the cartoon Ren and Stimpy where a character falls into his own belly-button and discovers an entire universe inside. When considering one’s own subjectivity in observation, in this case, of an instrument and of a musical work, subject and object become indistinct from one another.

 

subject / object was commissioned by Standing Wave with support from the Canada Council for the Arts, was nominated for the Prix collégien de musique contemporaine, and won the ISCM Young Composer Award in 2017.

 

On notes to selves was commissioned by the Thin Edge New Music Collective.

 

FR

 

subject / object (sujet / objet) est une œuvre à propos du piano pour ensemble. Pour moi, le piano est un objet insaisissable plein de contradictions. Il a un degré d'abstraction et de détachement; parfois un meuble ou un symbole de statut. Il existe également un certain degré de familiarité: avant la possibilité d’enregistrer du son, c’était le moyen principal pour beaucoup de gens d’entendre et de participer à la musique. Parfois appelé «l’instrument du compositeur», il est censé pouvoir sublimer un monde sonore plus vaste que celui de ses capacités, comme dans l’idée familière d’une «réduction pour piano», où une œuvre orchestrale est transcrite pour piano seul.

En 2013, j'ai composé une pièce acousmatique qui explore ces idées, appelée «Objects- Interiors». Cette œuvre, principalement dérivée de sons de piano, est une sorte de distillation du piano en tant qu'objet: ses sons sont restitués via des haut-parleurs à l'intérieur d'un piano (qui n'est jamais joué), s'appropriant l'objet musical en tant qu'espace intérieur.

 

Dans cette nouvelle pièce pour ensemble et électronique, cette distillation est élargie à une interaction performative dans et autour du piano. Une partie du matériau est une transcription de l’œuvre parente; et ainsi les sons produits par l'ensemble imitent le piano en tant qu'objet et en tant qu'espace. La pièce est aussi une déconstruction de ce processus - de ma propre mémoire de la composition - de la tentative de réduire des sons enregistrés en notation sur une page. Ainsi, la pièce découpe, transforme, enregistre et rejoue ces matériaux. Le piano est à nouveau contextualisé comme un espace de résonance et de réduction, en hommage à l’œuvre d’art sonore «I am sitting in a room» (1969) d’Alvin Lucier, où dans ce cas le «room» est un piano.

 

J’admet que le projet de cette œuvre est nombriliste. Son intensité telle qui me rappelle un épisode de du dessin animé Ren and Stimpy, où un personnage tombe dans son propre nombril et découvre tout un univers à l'intérieur. Quand on considère sa propre subjectivité dans l’observation - dans ce cas, d’un instrument et d’une œuvre musicale -, sujet et objet deviennent indistincts.

 

subject / object a été commandée par Standing Wave avec le soutien du Conseil des arts du Canada, a été finaliste pour le Prix collégien de musique contemporaine et a remportée le ISCM Young Composer Award en 2017.

 

 

 

On notes to selves (2016)

EN

 

On notes to selves is a piece about the process of self-documentation, of note-taking, journal-keeping, and capturing fragments of our environment as a part of building personal narrative. The work was commissioned by the Thin Edge New Music Collective for a cross-Canadian tour, with most of the performances in cities where I have lived or to which I have significant personal connection.

 

The idea of “home” and its relationship with personal identity is complex. While the notion of linking temporal “chapters” of one's life with geography is an intuitive way of developing a narrative of self, it can lead to uncomfortable cognitive dissonance when one travels: the feeling of anachronism when returning to a past home, or a nomadic experience through a multiplicity of homes.

 

On notes to selves features field recordings from its “homes”–the cities where it is performed on its premiering tour: Vancouver, Edmonton, Toronto and Montréal. The recordings were used to generate musical material; both through an attempt to transcribe these sounds for the ensemble (the reduction of space and self to notation), and through playback of the original sounds through portable recording devices (reproduction of space and self). The work also features live recording and playback during the performance of the work, treating the performance as a documentation in real-time, integrating the recordings as part of the work as ‘memories’ that unfold and return over the course of the work.

 

On notes to selves was commissioned by the Thin Edge New Music Collective.

 

FR

 

On notes to selves (Sur les notes personnelles) est une pièce à propos du processus d'auto- documentation, de prise de notes, de tenue de journal et de capture de fragments de notre environnement dans le cadre de l’élaboration d'un récit personnel. L'œuvre a été commandée par le Thin Edge New Music Collective pour une tournée pancanadienne, dont la plupart des représentations ont eu lieu dans des villes où j'ai vécu ou avec lesquelles j'ai des liens personnels importants.

 

L'idée de «chez-soi» et sa relation avec l'identité personnelle est complexe. Bien que l'idée de relier des «chapitres» temporels de sa vie à la géographie soit une manière intuitive de développer une histoire de soi, elle peut créer une dissonance cognitive inconfortable quand on voyage: le sentiment d'anachronisme lors du retour dans un ancien chez-soi, ou une expérience nomade à travers une multiplicité de foyers.

 

On notes to selves présente des enregistrements environnementaux de ses «chez-soi» - les villes où l’œuvre a été présentée lors de sa tournée de création: Vancouver, Edmonton, Toronto et Montréal. Les enregistrements ont été utilisés pour générer du matériel musical; à la fois par une tentative de transcription de ces sons pour l’ensemble (réduction de l’espace et de soi en notation) et par la reproduction des sons originaux au moyen d’appareils d’enregistrement portables (reproduction de l’espace et de soi). L’œuvre comprend également l’enregistrement et la lecture en direct lors de son interprétation, traitant la performance comme une documentation en temps réel, intégrant ces enregistrements dans la pièce comme des «souvenirs» qui se déroulent et reviennent en cours de route.

 

On notes to selves a été commandée par le Thin Edge New Music Collective.

 

 

 

AMONG AM A (2015)

 

EN

 

AMONG AM A concerns different modes of listening during a concert experience, and attempts to create an environment where musical listening and environmental listening are blurred: everyday sounds are musicalized, and musical gestures are made concrete. The work thus provides a means to re-examine the performance conditions that create distinctions between musical and non-musical acts, spaces, and sounds. Over the course of the work, the sanctioning of musical space and sound is deconstructed.

 

The work derives some of its material from Better Git It In Your Soul, the first track from Charles Mingus’s Mingus Ah Um. Mingus often included vocalisations and other “extra-musical” sounds in his studio recordings–in Better Git It In Your Soul, the function of one of these vocalisations is blurred as the shout of “OH YEAH” during the refrain is musicalised through its repetition and “crossfade” transformation into the timbre of a saxophone wail.

 

AMONG AM A also concerns the affective qualities of sound, especially as social functions in collective or individual settings. Sounds of revelry are often acoustically similar to sounds of terror–addressing this ambiguity in the work is a means to address my own anxiety in crowds and the experience of being one among many.

 

AMONG AM A was commissioned by Ensemble Paramirabo with support from the Conseil des arts et des lettres du Québec, and the Canada Council for the Arts.

The work was a finalist for the Gaudeamus Award and the Prix collégien de musique contemporain in 2016, and won the 2016 Salvatore Martirano Award.

 

FR

 

AMONG AM A traite de différents modes d'écoute au cours de l’expérience d’assister à un concert, et tente de créer un environnement dans lequel une écoute musicale et une écoute environnementale sont brouillées: les sons quotidiens sont «musicalisés» et les gestes musicaux sont rendus concrets. L'œuvre fournit ainsi un moyen de réexaminer les conditions de performance qui créent des distinctions entre des actes, des espaces et des sons musicaux et non- musicaux. Au cours du travail, la désignation de l’espace et du son musical est déconstruite.

 

Certaines éléments de l’œuvre sont tirés de «Better Git It In Your Soul», le premier titre de l’album Mingus Ah Um, de Charles Mingus. Mingus a souvent inclus des vocalisations et d'autres sons «extra-musicaux» dans ses enregistrements de studio - dans «Better Git It In Your Soul», la fonction de l'une de ces vocalisations est floue: le cri de «OH YEAH» lors du refrain se musicalisant par sa répétition et sa transformation vers le timbre d’un cri de saxophone.

 

AMONG AM A traite également des qualités affectives du son, notamment en tant que fonctions sociales dans des contextes collectifs ou individuels. Les sons de réjouissance sont souvent acoustiquement similaires aux sons de terreur. Remédier à cette ambiguïté dans la pièce est un moyen de répondre à ma propre anxiété dans les foules et à l'expérience de n’être qu’un parmi d'autres.

 

AMONG AM A a été commandée par Ensemble Paramirabo avec le soutien du Conseil des arts et des lettres du Québec et du Conseil des arts du Canada. L'œuvre était finaliste pour le Prix Gaudeamus et le Prix collégien de musique contemporaine en 2016 et a remportée le Prix Salvatore Martirano 2016.

 

 

 

Alone and unalone (2019)

 

EN

 

Alone and unalone is an examination of the relationship between individual and collective experience. When we listen to music together, as in a concert, we share a common reality, but we simultaneously have individual, unshareable experiences in our own heads. The piece magnifies this condition by diffusing sound through headphones for the audience: each listener hears sound directed especially toward their own ears at the same time as they hear acoustic and electroacoustic sound in the space common to the other listeners. A confrontation of the philosophical problem of other minds, the effect of the piece endeavors to teeter between solipsism and the kind of empathy-building that occurs through art.

 

The piece traverses different performance practices, drawing inspiration from ASMRtists (online video performers of ASMR, a subculture devoted to generating tingling sensations), experimental theatre, Baroque music (especially drawing material from Handel’s Keyboard suite in D minor), and immersive environmental sounds.

 

Alone and unalone was commissioned by Ensemble Paramirabo with support from the Canada Council for the Arts.

 

FR

 

Alone and unalone (Seul et pas seul) examine la relation entre les expériences individuelles et collectives. Lorsque nous écoutons la musique ensemble, comme dans un concert, nous partageons une réalité commune, mais simultanément, nous avons des expériences individuelles et impartageables dans nos propres têtes. La pièce amplifie cette condition en diffusant le son au moyen des écouteurs pour le public: chaque auditeur entend un son dirigé spécialement vers ses propres oreilles, tout en entendant des sons acoustiques et électroacoustiques dans l'espace commun aux autres auditeurs. Affrontement du «problème des autres esprits» en philosophie, l’affect de la pièce cherche à osciller entre le solipsisme et le genre de construction de l’empathie qui se produit par l’art. La pièce traverse différentes pratiques de performance, s’inspirant des ASMRtists (réalisateur.trice.s des vidéos de relaxation en ligne de «ASMR», une sous-culture consacrée à la génération de sensations de picotements), du théâtre expérimental, de la musique baroque (en particulier de matériel tiré de la Suite pour clavier en ré mineur de Haendel) et de sons environnementaux immersifs.

 

Alone and unalone a été commandée par l’Ensemble Paramirabo avec le soutien du Conseil des arts du Canada.

 

— James O’Callaghan

 

 

 

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